Desconecta, un espacio para ti

Bocetos de la instalación

Boceto instalación

Boceto de piedras

Boceto de árbol

Boceto de la infancia

Detalle de la infancia

Flor de papel

Flor de loto de papel

Boceto de cascada

Boceto de cabaña desechado

Son varios los conceptos fundamentales que caracterizan la obra. Por un lado, partiendo del tema de la relajación he investigado a partir de confort, descanso, sueño, desconectar, comodidad. También he trabajado a partir de la reflexión y la meditación. Todos ellos desde un punto de vista más subjetivo.

Para ello la filosofía zen me ha ayudado bastante para aclarar estos conceptos, ya que la meditación es un punto importante en la obra. Los monjes japoneses utilizan elementos naturales como forma de meditación. Los jardines zen contienen arena, grava, rocas, en ocasiones musgo y otros elementos naturales. La arena representa el mar. Alrededor de las rocas se rastrilla de forma de anillos representando las ondulaciones del agua. Los karesansui, o jardines zen, tienen un efecto tranquilizador, por ello simbolizo este tipo de escenografía natural en mi obra, para recordar el sentimiento de paz.

Estos jardines están concebidos para inspirar vitalidad y serenidad. Representan también el camino de la vida, constantemente lleno de cambios, diversos surcos, altas y bajas, tropiezos y obstáculos, brillo y oscuridad, sombra y luz. Permite dar descanso a nuestra mente, concentrarla en un solo punto. Tranquilizar la ansiedad, la angustia y los miedos. La filosofía Zen tiene como objetivo la expansión de nuestra conciencia, que aparentemente no existe porque no se puede tocar, pero existe en realidad. El hombre físicamente camina en el elemento del tiempo, pero en ocasiones es como si atravesara un espeso lodo, que le hace arrastrar sus pies. El Zen nos enseña que debemos de comprometernos y reconocer los pasos que nos llevan a progresar hacia un entendimiento que nos acerca a la supuesta distante iluminación.[1]

Otro concepto a tener en cuenta como importante es el tema del color, el cual cumple un papel complementario en la obra porque lo he querido utilizar como elemento para ayudar a expresar y a provocar las sensaciones que pretendo. Me interesa por que influye en la actitud del sujeto condicionando su forma de percibir el ambiente. Dependiendo del momento y de la situación los colores pueden significar cosas diferentes. Conocer su significado y su función, especialmente como influyen en la actualidad es importante para utilizarlo en la obra y para ello me ha servido de mucha utilidad el libro de Eva Heller “Psicología del color”.

En él se explica el significado que tiene cada color y las sensaciones que crean en el sujeto. En él se hace un estudio sociológico respecto a las sensaciones que provocan los colores en el ser humano. Se realizó una encuesta a miles de personas para corroborar los datos que se mencionan en el libro. En él se tiene en cuenta el lugar histórico y el lugar geográfico para determinar los diferentes significados que expresan los colores. Por ejemplo, dependiendo de la clase social en la que se dividía la sociedad antiguamente los colores servía para diferenciar el estatus de la sociedad.

Básicamente el significado de los colores está influido por los prejuicios culturales de la sociedad. Tras leerlo decidí que el color adecuado para la obra era el azul, ya que expresa simpatía, armonía, amistad, confianza, fidelidad, orgullo, paz, descanso, mérito, pasividad, lejanía, concentración, independencia, fantasía, e incita al sueño y al descanso. Creo que son conceptos beneficiosos para la instalación e intentaré que el ambiente creado despierte esos sentimientos en el espectador.

Además de ser una obra atractiva, quiero que el individuo se sienta a gusto y con ganas de permanecer en ella durante un momento. E incluso que tenga ganas de abrir su mente a la reflexión y al conocimiento.

Desde una perspectiva más técnica he investigado materiales y conceptos estéticos como el agua, simulada con plásticos, o los elementos que cuelgan del techo como ayuda para que funcione la instalación y crear el ambiente deseado. Pretendo que en la instalación haya elementos táctiles, con relieve o no pero siempre algo real. No me interesa introducir elementos intangibles, como imágenes proyectadas, porque considero que rompe con el hilo de la acción y desviaría la atención del espectador hacia una dirección no deseada. Quiero destacar que la instalación es una obra construida manualmente por el ser humano y que no hay nada tecnológico.

Además al estar basada en la naturaleza, la instalación necesita ese aspecto no mecanizado. Considero que es la mejor forma de poder influir en las sensaciones del individuo hacerlo de construyendo los elementos y situarlos en la sala de tal forma que juntos, objetos, construcciones y espectador formen un todo. Para ello la imaginación de éste juega un papel importante.

Necesito que la obra sea un producto tangible en el cual he utilizado varios materiales reciclados con lo que presento al espectador una construcción biodegradable y con productos reutilizados, algo que no perjudica al medio ambiente. La naturaleza, que juega un papel importante en la obra, adquiere el significado de pureza que la caracteriza. Por ello creo necesaria la tangibilidad de la obra, por que al hacer alusión de la naturaleza, es importante que el espectador sienta que puede tocar y sentir los elementos. Que no son ninguna ilusión, sino que están ahí formando parte de un todo, un todo al que el individuo mismo pertenece e incluso cumple la función principal del yo como ser real y existente.

[1] Significado de Jardin ZEN, [en linea], http://www.hogarid.com/blog/significado-de-jardin-zen/, Consultado el: 01-03-2012

Intencion de la obra

Creo que es importante tener al público como algo fundamental, ya que es el elemento más importante, sin él la obra pierde su sentido. La intención es que la obra sirva para humanizar al espectador recurriendo a elementos visuales, sonoros y táctiles intentaré que el individuo penetre en su interior adquiriendo así toda la importancia y el papel fundamental de la obra, quedando ésta en un segundo plano cuya función es incitar que el espectador quede sumido en su interior. La importancia del espectador en cuanto a un ser, existente y real.

Para explicar esta idea me interesa la filosofía de Sri Nisargadatta Maharaj quien decía: “Nuestra actitud común es “yo soy esto”. Separe tenaz y perspectivamente el “yo soy” de “esto” y trate de sentir lo que significa ser simplemente ser, sin ser “esto” o “aquello”.

No pretendo captar la atención del espectador para que se olvide del resto del mundo mientras queda hipnotizado por la obra, sino que la instalación intenta atraer al espectador de forma que lo rodee y en cierto modo lo proteja, como un espacio íntimo en el que cada uno es libre de hacer y pensar lo que quiera, siempre desde un punto de vista relajado, tranquilo y descansado.

Temporalidad

Pasos Tiempo	Proceso	Proyecto
Septiembre	Búsqueda de información, referentes, artistas anteriores que hayan trabajado algo similar.	Investigación sobre materiales y posibilidades.
Octubre
Noviembre	Continuación con una búsqueda más profunda. Entrega de la 1º prememoria	Bocetos y recogida de materiales para la primera instalación
Diciembre
Enero	Elaboración y desarrollo de contenidos.	Realización varias instalaciones para corroborar la disposición de los focos y los elementos en la sala.
Febrero
Marzo	Elaboración y desarrollo de contenidos.
Abril	Entrega de la 2º prememoria	Exposición del proyecto
Mayo	Presentación de la memoria	Defensa pública del proyecto
Junio

Referencias

Carsten Höller

Lo que me interesa de su trabajo, es que crea situaciones que ponen en cuestión las formas familiares de la percepción permite que visitantes de la exposición experimenten en sí mismos. Propone espacios agradables y confortables e incluso en ocasiones invita a la participación activa del público.

Won Ju Lim

Esta escultora de la luz produce paisajes urbanos mezclando ciudades y paisajes occidentales y orientales. Tiene propuestas realmente bellas y agradables gracias a esos juegos de luz y color verdaderamente maravillosos. Me interesó por los juegos de luces que hace y cómo sus obras adquieren vitalidad gracias a la iluminación que les porpone. Me resulta muy atractivo estéticamente.

Ernesto Neto

Este artista brasileño construye instalaciones grandes con esculturas grandes y suaves que el espectador puede tocar, golpear o caminar a través de ellas. Me interesó su obra por que construye unos elementos suaves que recubren al espectador, lo rodean y lo invitan a relajarse en ellos. Son superficies acolchonadas muy atractivas.

James Turrel

El aspecto que me interesa de este artista es que trabaja con la luz, especialmente tiene una serie de instalaciones en las que utiliza la luz natural como elemento y tema principal. Corta un trozo de techo de las salas y deja pasar la luz del sol tal cual. Los espectadores se sientan en bancos para mirar al cielo. Es un concepto que se acerca mucho a la idea de mi obra y me interesa porque de una forma muy sencilla consigue una atmósfera interesante.

Además tuve la oportunidad de hojear el libro “Composición, luz y color en el teatro de Robert Wilson” Pélleas et Mélisande de Debussy, donde la escenografía y la iluminación se asemejan a la atmósfera que quiero crear en mi instalación. Aunque este artista utilice unas escenografías muy simples en las que sólo aparecen figuras que rompen con esa sencillez, la atmósfera creada en la obra invita a la relajación y la tranquilidad.

Miroslaw Balka también me ha interesado porque investigando sobre este artista encontré una instalación “Heaven” que realizó en 2010 con unos 68 elementos de metacrilato transparentes con forma de espiral alargada colgados del techo. Transmitían una sensación de paz y tranquilidad que me pareció interesante relacionándolo con mi proyecto. Al ver esta obra recordé un estado de la infancia en el que no existen las preocupaciones ni los agobios. Estos elementos me recordaban a los móviles que se cuelgan en el cuarto del bebé para que descanse tranquilo, por ello usaré elementos similares en mi instalación, como alusión a la infancia.

Una de estos artistas que me han interesado ha sido Lygia Clark que utilizó el arte como terapia. Fue cofundadora del movimiento Neo-concretista y creía que el arte es subjetivo y orgánico. Clark pensaba que el arte debía ser manipulado por el espectador, es decir que pretendía que el espectador interviniese en sus obras. Para mi obra, la presencia del espectador es fundamental ya que está realizada para él. Además me interesa la idea de “arte como terapia” ya que, en cierto modo, pretendo indagar psicológicamente en las personas para mejorar su estado de ánimo del momento.

Son muchos los referentes de los que he investigado para realizar un estudio del proceso del proyecto.

Artistas como Dan Flavin con sus luces de neón, que crea espacios luminosos y básicamente crea sensaciones.

Otro artista que me interesa es Bill Viola quien realiza instalaciones intentando conectar al ser humano con el entorno. Identifica los paisajes desérticos con estados mentales interiores. Viola encuentra en el inconsciente la vía hacia un diálogo con uno mismo, con nuestro interior. Una de sus obras Threshold (1992), tiene una puerta hacia un recinto oscuro que está conectado a una agencia de noticias que transmite los hechos más recientes. Atravesando este umbral de información, el espectador entra en una habitación inundada por la imagen de personas durmiendo que se proyectan sobre toda la pared de la sala. Sus respiraciones pausadas colman el espacio, transmitiendo una sensación de paz interior.

Algo similar ocurre en The Sleepers (1992) que consiste en siete barriles de acero llenos de agua y que contienen en su interior monitores con imágenes de personas durmiendo, la sensación es pacífica, la sala sólo está iluminada por el color azulado de la imagen monitoreada. Los barriles representan los límites que pone el hombre a la naturaleza cuando debería ser algo fluido como el agua.

Y artistas mas actuales como Olafur Eliasson con "The Weather Project" en 2003 en la Tate Modern de Londres, que creó una esfera con una luz amarilla en su interior simulando un Sol y la gente iba al lugar y se tumbaba como si tomase estuviese descansando en una playa.

Pipilotti Rist, una chica que realiza video cuyas coloridas obras y musicales trabajos transmiten una sensación de felicidad y sencillez. Ella es, que a pesar de que trabaja temas como el género, la sexualidad y el cuerpo humano, sus obras transmiten armonía. Además me interesa su forma de exponer las obras. Proyecta un vídeo a grandes dimensiones en las paredes de una sala. Deja la iluminación influenciada por la iluminación que el vídeo proyecta, además, en ocasiones coloca cojines o sofás en el centro de la sala, algo que incita al espectador a descansar. Este es un aspecto que yo quiero utilizar en mi instalación ya que tratará de que el espectador tenga total libertad para sentarse, tumbarse o quedarse de pie si es lo que prefiere pero que sienta una armonía con el entorno y consigo mismo.

Helio Oiticica. Este último me interesó especialmente porque enfocó gran parte de su trabajo en el uso de los colores en acciones de performance. Propuso innovación en el arte brasileño. Dentro de su carrera artística englobó música, cine, teatro y artes plásticas. Pretendía una interconexión de sus obras mediante “bólide” que en portugués significa bola de fuego, núcleo atómico, conceptos que para él eran como centros de energía con los que intentaba ordenar el caos de la realidad.

¿Por qué creo que es necesaria esta obra?

No todas las personas son iguales ni reaccionan del mismo modo ante situaciones iguales, no obstante creo que es necesario valorar la vida como un regalo del que hay que disfrutar. Por ello creo en la frase "trabajar para vivir y no vivir para trabajar". Sin embargo, la vida cotidiana está llena de estrés, desde que nos levantamos para trabajar o para ir a clase hasta que llegamos a casa, comemos en poco tiempo y volvemos para seguir con el trabajo, realizando tareas de clase o cualquier otra cosa, hasta que no nos queda tiempo para realizar lo que mas nos gusta o simplemente de descansar.
Personalmente creo que es necesario. Este es un tema que he tenido siempre en mente aunque nunca lo he tratado. Pero a lo largo de mi vida me he dado cuenta de que no he tenido momentos para mi hasta que decidí vivir en un piso de alquiler, ha sido la única vez que he conseguido tener espacio para mi, por ello mi habitación es como un santuario en el que puedo hacer lo que quiera y cuando quiera sin que nadie pueda impedirlo.
En casa, en mi pueblo, he sido una gran ayuda para mi madre ya que ella trabaja y al salir de clase tenía que ayudarla y realizar las tareas de clase, al final de día no me quedaba tiempo para hacer algunas cosas que me hubiese gustado hacer. Cuando vine a Cuenca viví durante dos años en una residencia universitaria. Los primeros días estaba muy bien ya que todo era diversión, conocer gente nueva y apenas había obligaciones, no obstante según pasaba el tiempo la convivencia se hacía mas difícil. Continuamente había gente en la habitación, que era el único sitio que tenía para mí, además de ruidos por los pasillos a altas horas de la noche y costaba conciliar el sueño sobretodo si eras tú el objetivo de las novatadas de esa noche. A los dos años de vivir en la residencia decidí alquilar un piso con unas compañeras y finalmente fue cuando encontré momentos de intimidad para mí, era lo que necesitaba. Un espacio en el que yo fuese lo primero y pudiese concentrarme únicamente en mis prioridades. Por ello, aunque sé que no todo el mundo es igual y que no todos pensarán lo mismo ni tendrán esos problemas con la intimidad, creo que es necesario, porque todos tenemos algún momento en el que nos gustaría desaparecer y básicamente por que yo necesito ese espacio para desconectar.